Corto Maltés. Bajo el sol de medianoche y Equatoria.

El tío luce un porte de galán de cine, aunque su profesión es la de marinero. Sus pantalones blancos no parecen los adecuados para embarcarse en aventuras en las que en ocasiones hay que arrastrarse por lugares inmundos; a pesar de ello, se las arregla para que siempre aparezcan impolutos. Prenda que por cierto va a juego con la gorra que ensombrece su mirada cautivadora. En los labios, colgando, siempre un cigarro. En la oreja derecha un enorme pendiente de aro. Unas patillas frondosas acentúan un rostro férreo. Así es, a grandes rasgos, Corto Maltés. Pero de Corto, quizá, yo subrayaría su capacidad seductora, no solo con las féminas que encuentra en sus aventuras, sino también con los hombres; consiguiendo que tanto amigos como enemigos caigan rendidos a sus pies. Pues tras conocerle, tras descubrir esa personalidad tan marcada por el honor y la justicia, que siempre le lleva a luchar al lado de los más débiles (muchas veces sin buscarlo), es imposible que Corto no acabe cayéndote bien.

He de reconocer que no era un gran fan de los cómics de Corto Maltés. Sobre todo por desconocimiento. Y es que siendo un chaval los había ojeado, pero claro, a esa edad prefería mucho más las “galletas” que repartían los superhéroes o las aventuras bizarras que podía encontrar en los mangas del género cyberpunk. Fue hace poco, y casi por casualidad, que cayó en mis manos Corto Maltés: Equatoria. Ahora que uno ya tiene una edad y no hace ascos a ningún cómic me puse a leerlo y al rato ya estaba enganchado. Tras terminarlo hice lo más lógico: ir en busca de más.

Corto Maltés: Bajo el sol de medianoche, supuso el retorno del marinero creado por Hugo Pratt allá a finales de los años 60. Veinte años después de la muerte de su autor un dibujante y un guionista, ambos españoles, tomaban el testigo. Por un lado tenemos a Juan Díaz Canales que se encargó del guion. Sí, el guionista de uno de los mejores cómics noir de todos los tiempos: Blacksad. A los lápices encontramos a Rubén Pellejero, que no le venía de nuevo esto de crear viñetas del género aventurero. En la serie Dieter Lumpen que creó junto al guionista Jorge Zentner nos embarcaba en un cómic de aventuras clásicas al lado de un aventurero que lo era por azar. Al observar las viñetas de ese cómic es cuando se aprecia que el estilo de Pellejero había bebido de las mismas fuentes que las de Pratt, así pues era la elección idónea.

En esta primera aventura una carta escrita por Jack London, el autor de Colmillo Blanco, es lo que hace que Corto se ponga de nuevo en marcha. Debe entregar dicha misiva a una amiga del escritor, una exprostituta que ahora lucha por el derecho de las mujeres. Como es de esperar, las cosas se torcerán incluso antes de empezar y el protagonista se verá inmerso en aventuras que en cierto modo trata de evitar, pero en las que al final, inevitablemente, acabará involucrándose. Por ejemplo, Corto se verá inmerso en una sangrienta revuelta inuit, en los intríngulis del espionaje o en traiciones que en ocasiones le beneficiaran y en otras pondrán su vida en peligro. Y todo ello con el bello telón de fondo del Gran Norte, uno de los parajes más extremos del planeta. Un lugar indómito donde los buscadores de oro se dejaron la piel por hacer fortuna. Rubén Pellejero, con unos pocos trazos, hace gala de su maestría y nos muestra lugares copados por la nieve, bosques de tonos amarillentos y ríos bravos. El color, sutil pero bien empleado, hace que todo cobre vida como por ensalmo.

Tras varios cambios inesperados de escenario, pero siempre con un argumento al servicio de la aventura, alcanzaremos un final que produce un agradable sentimiento de nostalgia y que irremediablemente deja con ganas de más.

En Corto Maltés: Equatoria la historia da un giro radical, pero solo en lo que respecta al escenario. Si en Bajo el sol de medianoche podíamos sentir como el frío helador calaba nuestro huesos, ahora tocará sudar la gota gorda, pues el continente africano será esta vez el paraje protagonista. Además, en esta ocasión, será la búsqueda de un tesoro antiguo lo que llevará a Corto a meterse en no pocos problemas.

Una vez más el dúo Guarnido-Pellejero vuelve a crear un cómic que destila aventura clásica por los cuatro costados. En este álbum el colonialismo europeo de principios del siglo XX y lo que éste provocó en los nativos del lugar será el tema que los autores trataran con un cuidadísimo rigor histórico. Y si de historia con mayúscula hablamos no podemos dejar de hablar de todos esos personajes célebres que en algún momento cruzan su camino con el marinero natural de Malta; algunos tan reconocibles como Winston Churchill. Personajes que, por cierto, Rubén Pellejero dibuja de forma exquisita al emplear un trazo limpio y elegante; un dibujo con carácter propio pero conservando la esencia de Hugo Pratt.

Bajo el sol de medianoche y Equatoria son dos obras que considero de imprescindible lectura. Y es que Juanjo Guarnido y Rubén pellejero no solo han sabido captar toda la esencia que Hugo Pratt insufló a su obra, sino que la han sabido hacer suya, para contar sin miedos y tapujos esa parte que el autor de Italia se dejó en el tintero. 

Ahora bien, si tuviera que quedarme con una, elegiría Equatoria. Los motivos serían su mayor agilidad narrativa, el acertado trasfondo histórico, el mítico tesoro, la profundidad psicológica que llegan a mostrar algunos personajes y sobre todo por esas maravillosas viñetas en las que un nostálgico Corto Maltés habla con su tierra natal. Ambos cómics son publicados por Norma Editorial tanto en castellano como en catalán.    

Rising Stars

No han sido pocas las veces en las que se ha explicado una historia de superhéroes abordando un punto de vista realista. Historias en las que los villanos no son seres extraterrestres que vienen a colonizarnos, tampoco son monstruos que reptan desde las profundidades de la Tierra para destruirnos y mucho menos brillantes mentes criminales de inteligencia superdotada que construyen robots para dominar la humanidad. Los enemigos son, nada más y nada menos, los que la propia sociedad ha creado: hambre, pobreza, guerras, etcétera.

Los mejores superhéroes del mundo con guion de Paul Dini y el siempre formidable dibujo de Alex Ross fue uno de esos cómics. La premisa fue tomar a la Liga de la Justicia y enfrentarla contra los problemas que se han enquistado en nuestra sociedad. Así pues, podíamos ver como Superman, Wonder Woman o Batman se las tenían que ver con gobiernos totalitarios o la repartición injusta de alimentos entre otros problemas.

Watchmen, de Alan Moore y Dave Gibbons, no solo nos ofreció los superhéroes con las personalidades más complejas y profundas que jamás se hayan creado en el noveno arte, sino que también nos mostró que sería de un mundo repleto de justicieros en plena Guerra Fría.

Kick-Ass de Mark Millar y John Romita Jr, Némesis del tándem formado por Mark Millar y Steve McNiven y el más reciente MPH, con guion una vez más de Millar, nos planteaban también diferentes escenarios (casi todos bastantes violentos y sangrientos) en los que gente con superpoderes se enfrentaban a problemas “mundanos”.

La trilogía de cómics Rising Stars de J. Michael Straczynski , de la que os hablaré hoy, se engloba en este estilo de cómics.

Rising Stars se inicia, en el primer tomo titulado Nacido del Fuego, con un brillo. Un resplandor sobrenatural que parece una estrella cayendo pero que enseguida se mostrará como algo más sorprendente, afectando a todos aquellos no natos que se encontraban en el interior de sus madres. Ciento trece serán los elegidos. Al principio estos niños serán como cualquier otro crío: con sus ganas de jugar, la obligación de ir al colegio y la emoción de hacer amigos y el anhelo de ser aceptados. Poco a poco demostrarán ser diferentes. Algunos podrán volar, otros dominarán elementos como el fuego, otros serán invulnerables, algunos simplemente podrán mover pequeños objetos… Estos niños especiales enseguida se convertirán en un contratiempo que el gobierno deberá manejar con cierta soltura si no quiere que se les escape de las manos.

En este primer volumen se nos muestra con flashbacks (recuerdos de uno de Los Especiales) la infancia y juventud de estos seres extraordinarios y cómo tuvieron que enfrentarse a una humanidad que les observaba con miedo y desconfianza. Straczynski crea a unos personajes de cierta solidez y profundidad psicológica. Mostrando personas que solo querían ser normales y que sienten que no encajan con el mundo que les rodea. Personas además con bagajes emocionales, problemas de infancia o psicológicos que poseen poderes extraordinarios y la certeza de que estos deberían utilizarse para llevar a cabo la justicia que ellos una vez no tuvieron. ¿Qué harías si abusarán sexualmente de ti y tuvieras el poder para detenerlo? ¿Qué pasaría si te hubieran maltratado y ahora llegara la hora de la venganza? Al final, el proceder de algunos de ellos no es más que una bomba de relojería a punto de estallar.

En Nacido del Fuego el autor nos tiene preparado un par de giros argumentales realmente inesperados, pero creo que es el que tiene que ver con Lionel Zere (aquel que puede hablar con los muertos) el que os llamará más la atención. Además, es en este capítulo donde descubriremos como una composición acertada de una última viñeta (viñeta que hay que observar a trasluz) puede sumar muchos puntos al conjunto. Por cierto, los dibujantes son Keu Cha y Christian Zanier. El trabajo de ambos es vistoso, colorido, pero algo impersonal y frío.

En Poder, segundo volumen de la trilogía, el contexto ya ha sido explicado. Ya sabemos qué nos ha llevado a esta guerra abierta, a las traiciones y a los miedos. Este es sin duda el álbum con más acción de los tres y el que menos profundiza en la psique o las relaciones de Los Especiales. Con todo, diversión y emoción están garantizadas hasta la última página. Aun así, un poco antes de llegar al final de Poder, se cierra un arco argumental y se abre otro: aquel en el que Los Especiales deben enfrentarse, por fin, a los problemas reales de la humanidad. En esta ocasión, a los lápices encontramos a Christian Zanier, Stuart Immonen y a Brent Anderson. Estos dos últimos dan un toque más oscuro al cómic, muy acorde con lo que se está explicando. Aunque es Anderson, mostrando esos rostros más realistas y su excelente manejo de las sombras, el que acabé encajando mejor en la serie.

Y llegamos al final, a ese momento en el que J. Michael Straczynski se pone tan serio y trascendental como filosófico. En Fuego y Ceniza Los Especiales descubren que luchar para que en la Tierra haya oportunidades para todos, las guerras se acaben, baje la delincuencia o se elimine la droga puede granjear enemigos, enemigos muy poderosos. Este tercer álbum resulta un cierre correcto y coherente con todo aquello que se nos ha ido explicando; aunque tal vez con un final algo pillado con pinzas y, para mi gusto, bastante naif. El dibujante de este tercer volumen al completo es Brent Anderson, que a medida que avanza la narración demuestra no solo que domina el dibujo, sino también el entintado, regalándonos la vista con algunas escenas de un dramatismo sobrecogedor que quedaran para el recuerdo: el despertar de Matt, Pyre rodeado por francotiradores o John desatando su poder. 

 

Rising Stars de J. Michael Stracynski, a pesar de los altibajos que sufre la narración a lo largo de toda la historia, resulta un imprescindible para todo aquel que alguna vez se ha preguntado qué pasaría si los superhéroes existiesen de verdad. Emoción, dramatismo, acción, una narración épica y plena de melancolía a medida que se acerca el final y un dibujo que, en algunos tramos, goza de cierto poderío. ¿Qué más se puede pedir?

PD: Existen dos volúmenes más que se centran en las vidas de algunos de los personajes que pasaron por la serie. En Voces de Ultratumba el protagonista es Lionel Zerb: el hombre que es capaz de hablar con los muertos. En Intocable son dos de los elegidos más poderosos, Matt y Jason, los protagonistas del cómic. Poco os puedo explicar de estos dos cómics ya que no he tenido la oportunidad de leerlos, pero teniendo en cuenta como se cierra la trilogía, no son unos imprescindibles para entender la historia, en todo caso para dar ciertos matices.

El fin del mundo y antes del amanecer

Cuando se habla de manga lo primero que se nos viene a la cabeza son historias con cierta cantidad de violencia, héroes estrafalarios, chicas de pechos desorbitantes, espadas, naves espaciales, robots gigantescos y hasta animales que hablan. Pero si ya estás un poco curtido en lo que se refiere al cómic japonés, y aunque las primeras ideas que asalten tu mente sean las que anteriormente he resaltado, no tardarás en caer en que algunas de esas historias tienen una sensibilidad especial. La mayoría de ellas ni siquiera tienen que ver con la fantasía o la ciencia ficción, sino con la vida rutinaria, el primer amor o a la vuelta a nuestras raíces. Uno de los grandes autores experto en darle forma a esos sentimientos y convertirlos en una concatenación de bellas viñetas es el recientemente fallecido Jiro Taniguchi. Pero, últimamente, allá en el horizonte, (quizá con ganas de recoger el testigo) brilla una nueva estrella que no se le da nada mal el tema de crear personajes de profunda personalidad. Su nombre es Inio Asano.

El fin del mundo y antes del amanecer es un manga que recoge un puñado de historias cortas en las que el autor nos muestra personas simples viviendo situaciones cotidianas. Aunque las historias se pueden leer por separado, incluso de forma desordenada, sin que por ello pierdan ni un solo ápice de sentido, leerlas juntas da muchísimo más sentido al conjunto, pues descubriremos que la vida de un personaje se entrecruza con la de otro, y así progresivamente. Inio Asano crea de esta forma una historia mucho más extensa al unir el entramado de sucesos menores. Y lo consigue sin forzar situaciones, sin perder fuerza en la narración; simplemente con una frase que nos hará recordar a aquel personaje que creíamos olvidado o aquella circunstancia que parecía haber terminado con un final abierto.

¿Pero de qué va El fin del mundo y antes del amanecer? Hay un poco de todo. Desde un hombre que pierde su trabajo y huye. Una huida que le ayudará, y gracias a los recuerdos de su vida, a decidir qué hacer con lo que le resta de vida. También encontraremos la historia de un adolescente que comete un delito y que arrepentido buscará la forma de redimirse, no sin antes descubrir que cada paso que da hasta esa redención lo lleva a una madurez de la que ni siquiera él será consciente. Otro de los relatos nos cuenta como una estudiante de instituto (con problemas que se irán desvelando en relatos posteriores) medita sobre huir del instituto, un lugar en el que un cotilleo puede destrozarte la vida; todo ello visto desde los ojos de dos amigos, algo gamberretes, que también buscan encajar. O está esa otra maravillosa historia (mi preferida) en la que se nos muestra el día a día de una muchacha en apariencia jovial, que sonríe a todos los clientes tras el mostrador de sus tienda pero que al llegar a casa muestra su verdadero, y escondido, rostro. Encontraremos además historias de sensualidad, de tristeza, de amor juvenil, de sexo sucio y vacío (que no pornográfico), de soledad y de esperanza. La mayoría protagonizadas por adolescentes, pues Inio Asano demuestra con creces desenvolverse con soltura con personajes que se hallan en esa etapa de la vida al mostrar cómo piensas, cómo sienten, cómo dudan y sobre todo cómo aman.

He dejado para lo último el dibujo pues no hay más que echar un rápido vistazo al tomo para encandilarse del estilo del autor. Un trazo inmaculado, detallista en lo que se refiere a los escenarios, en especial a los núcleos urbanos (puedes perderte durante minutos en una sola viñeta) y con una forma de componer personajes única: labios turgentes, miradas llenas de significado y cuerpos en poses que destilan

Inio Asano, el autor.

cierto erotismo.

El fin del mundo y antes del amanecer de Inio Asano es un manga que a priori puede parecer algo aburrido, pues son un conjunto de historias con personajes mundanos viviendo situaciones sencillas, pero a medida que vayas leyendo descubrirás que son historias repletas de sensibilidad y cierta “magia” (e incluso alguna cosa “raruna”); seguramente hasta te sentirás identificado con más de un personaje. Un manga totalmente recomendado para todos los lectores que disfrutan con las obras más intimistas de Jiro Taniguchi. 

La Dama de las Nieves

La dama de las nieves es una misteriosa mujer que sólo se aparece a los viajeros perdidos en las tempestades de invierno. ¿Cuál es su origen? ¿Qué acontecimientos presencia la dama de cara blanca y labios rojos? Nadie sabe si es un espíritu o una diosa, pero todos conocen su leyenda.

Cuenta la leyenda que una mujer de tez pálida, oscura melena y cuerpo esbelto se aparece ante aquellos que quedan atrapados en las montañas a merced de una tormenta de nieve. Su misión no es otra que la de darles un final tranquilo, durmiéndolos apaciblemente para que no sufran una muerte dolorosa y agónica. En la mayoría de las historias que se relatan sobre la dama blanca ella resulta ser alguien de carácter compasivo que sólo quiere ayudar al extraviado a dejar atrás todo sufrimiento. Pero hay otras que cuentan que cabalgando sobre ráfagas de aire que toman la forma de lobos árticos puede atacar al despistado para acabar con su vida de forma brutal. Este mito que forma parte del folclore japonés sirve de excusa para enlazar tres historias que transcurren durante el crudo invierno. Las artífices de todo esto son CLAMP el cuarteto de féminas mangakas que nos han dado obras como RG Veda, Tokyo Babylon o Chobits.

El colmillo del lobo, La flor de hielo y Las dos garzas son esas tres historias auto conclusivas que forman parte de este único tomo. En ellas asistiremos a historias de amores imposibles, tragedias familiares y desgracias variadas. Podría definirse como un manga con folclore asiático pero atestado de tragedias griegas. Preparaos a sufrir, a seguir las andanzas de personajes que se les escapa la felicidad una y otra vez, que sólo la rozan con los dedos y que acaban siempre encontrándose con la dama de las nieves y esas lágrimas suyas en forma de perfectos copos de nieve.

A las sencillas y tiernas historias les acompaña un dibujo igualmente elemental: diseños de personaje típicamente shojo (mangas que buscan captar la audiencia femenina) con cuerpos muy estilizados y rostros de ojos enormes y boquita de piñón. Los primeros planos de estos rostros muestras la maestría de las CLAMP (sobretodo en las páginas a color) captando los diferentes sentimientos de una persona con apenas unos pocos trazos, por el contrario, y en este caso en concreto, los escenario nevados y sin apenas algún detalle muestras viñetas blancas y vacías que en ocasiones una figura difusa por la ventisca no consigue llenar esa sensación de oquedad.

En general La dama de la nieves es un manga que se lee de una sentada y que deja un sabor agridulce por las trágicas historias que cuenta. Si sois fans de CLAMP y os gusta el drama quizá sea el momento de que leáis este corto aunque entretenido manga.

The Legend of Zelda: Hyrule Historia

Según cuenta la leyenda, tras crear el reino de Hyrule las diosas Din, Nayru y Farore ascendieron a los cielos dejando tras de sí tres triángulos donde depositaron sus poderes: Poder, Sabiduría y Valor. Aquel que los reúna podrá conseguir la Trifuerza, un objeto de poder que podrá conceder cualquier deseo a su poseedor. Depende del corazón de su portador. Hyrule prosperará… o caerá en la desesperación.

Este es el punto de partida de la saga de videojuegos The Legend of Zelda, sin duda una de las más famosas y veneradas por los fans de todo el mundo. Este espléndido volumen incluye información nunca vista hasta ahora, como la cronología oficial de la saga, arte conceptual y diseños de personajes  explicados al detalle por los propios creadores de los juegos, así como una reveladora introducción de mano del propio Shigeru Miyamoto. Y como extra, un manga muy especial: ¡la adaptación oficial de Akira Himekawa del videojuego The Legend of Zelda: Skyward Sword!

La Condesa de Cagliostro no es precisamente pequeño.

Lo primero en lo que reparé del libro de The Legend of Zelda: Hyrule Historia es que no era de bolsillo (Tamaño: 22,8 x 30,4. Páginas: 244Color + 32 B/N), y que mi idea de leerlo por la noche, metido en la cama y arropadito, no iba a ser placentera ni para mis brazos ni para mi espalda. De hecho, para leer cómodamente este libro un atril como utilizaban los monjes en la edad media sería un imprescindible.

El libro al que da la espalda el monje es seguramente The Legend of Zelda

Aunque su peso y medidas pronto se diluyeron de mi mente y empecé a quedar embobado con esa cubierta de letras doradas y aquel escudo de igual brillantez que resaltaba gracias al fondo verde. En su conjunto me recordó a un escudo de armas.

Abrí las primeras páginas y el olor de éstas me impregnó todos los poros de la piel, un libro que huele tan bien debe de "saber" mejor, pensé. Con lo primero en cruzarme es con la introducción de Shigeru Miyamoto (padre de la saga) con motivo del 25 aniversario de la saga The Legend of Zelda. A partir de aquí comienza la aventura, que está repartida en tres partes. La primera tiene como nombre El principio de la Historia: El mundo de Skyward Sword. 

Si un libro huele bien seguro que es bueno.

Bar Leche's, lugar para visitar en Skyward Sword descartado en la versión final

Aquí me encontré con el último videojuego de la saga, que cronológicamente es el primero (un lío que más adelante se soluciona), y todo un sinfín de bocetos, arte conceptual, diseños de personajes y lugares. Es interesante ver las anotaciones que director, coordinador o diseñadores van dejado en cada dibujo. Como unos aconsejan sobre el pelo, vestimenta, o rasgos de un personaje y como los otros entregan el trabajo final. En definitiva, en esta parte pude asistir en grandes rasgos al diseño de un videojuego 

La segunda parte, y para mi una agradable y sorprendente sorpresa: Historia de Hyrule: La genealogía de la leyenda. En esta parte descubrí que toda la saga tenía una cronología, que no eran historia sueltas y que todas estaban enlazadas, y que los viajes en el tiempo, los cuales en The Legend of Zelda: Ocarina of Time tenían mucha relevancia, podían hacer que la historia derivara hacia una línea temporal u otra; como un Regreso al Futuro 2 pero en un mundo fantástico y con un héroe vestido de verde.

 En esta sección del libro se repasa la historia de cada videojuego de forma exhaustiva, desde cada uno de sus personajes, hasta su mapeado, incluso el idioma de cada era. Si no has jugado a alguno de los juegos es posible que en esta sección te comas un spoiler sin querer. Esta sección finaliza mostrando algunos de los objetos conmemorativos del 25 aniversario.

 Las huellas de la creación: 25 años de arte, es el título que pone nombre a la última sección. Mis ojos de nuevo quedaron deslumbrados. Esta parte es similar a la primera, pero si antes se mostraba el arte que había tras Skyward Sword, aquí son todos los demás videojuegos que componen la saga los que se llevan el protagonismo. Páginas y páginas a todo color en los que me perdí en cada detalle y que seguramente a vosotros también os atrapará. 

Todo el diseño que hay tras el Ganondorf de The Wind Waker

En las páginas finales de esta sección se rememoran las portadas de todos los videojuegos, además de relatar alguna peculiaridad sobre algunos de ellos. 

Cátalogo de juegos de The Legend of Zelda

Eiji Aonuma, productor de la saga, finaliza el libro con el epílogo. Iba a cerrar el libro cuando me topé con el bonus: un manga basado en Skyward Sword, casi a todo color, del duo de mangakas Akira Himekawa, encargadas de llevar toda la historia de la saga The Legend of Zelda a su versión en manga.

Poco más puedo decir sobre la edición española de Norma Editorial, salvo que es un excelente trabajo, tanto en diseño, como en maquetación, siendo ésta un calco del original; además su precio 29.99€ es prácticamente una ganga.

JLA: Justicia para todos

En JLA: Justicia para todos el grupo de superhéroes más famosos de DC vuelve a la carga para luchar contra varios enemigos; los primeros resultan ser Los ultramarines: unos super soldados, con la cabeza algo hueca, con la imperiosa necesidad de acabar con la Liga de la Justicia. Y todo por que su general lo ordena. La siguiente aventura los enfrentará a una entidad biomecánica que creían destruida. Seguidamente unos genios tan juguetones como psicópatas pondrán la cuarta y quinta dimensión en peligro además de toda la Liga de la Justicia al completo. La recopilación acaba con el número 32 y 33 de la edición USA en dónde la ciudad de Gotham ha sido casi arrasada y entrar en ella es casi un suicidio.

La verdad es que cuando en la portada descubres nombres de pesos pesados como Grant Morrison (Animal Man, The invisibles), Mark Waid (Kingdom Come) y Mark Millar (Kick-Ass) no puedes más que pensar que tras JLA: Justicia para todos tiene que haber una gran recopilación de historias; incluso a pesar de que otros nombres apenas te suenen como Devin Grayson, Howard Porter, Mark Pajarillo. El caso es que el conjunto final se puede valorar con un adjetivo, y este es: Irregular. Y es que en general todo el producto es así. Para empezar los pesos pesados a los que antes me refería, y que realmente lo son, aquí están algo faltos de imaginación y nada más se limitan a hacer lo que la gran mayoría hace con La Liga, buscarles un enemigo, hacer que lo pasen muy mal, pero que finalmente, no sin un esfuerzo titánico, consigan vencer. Ni ingeniosos giros, ni vueltas de tuerca y personalidades de psicología plana y de carisma cero. 

Por otros lado los dibujantes son igual de capaces de dibujarte una preciosa, emotiva y épica viñeta como, y en la misma página, hacerte pensar que quizá ese día estaban realizando su trabajo con la muñeca fracturada. 

Y a pesar de todo, incluso si olvidamos esa traducción algo descuidada, consigue entretener y, en algunos momentos, y no sin que el lector ponga mucho de su parte, divertir.

Feynman

RICHARD P.FEYNMAN (1918-1988) fue una de las grandes mentes y grandes personalidades del siglo XX. Físico, ganador del Premio Nobel, también sabía abrir cajas fuertes, fue aventurero, músico y narrador de primera categoría.

En esta nueva biografía, el guionista JIM OTTAVIANI y el artista LELAND MYRICK capturan esta vida pintoresca en una vívida novela gráfica. Divertida, desafiante y conmovedora, FEYNMAN es una nueva y significativa mirada a un icono muy amado y admirado.

Richard Feynman fue un genio de la física y como genio tenía sus excentricidades; eso sin duda es lo que lo hizo más especial y más humanos. Se dice que como minímo fue el segundo mejor físico del siglo XX, por delante sólo tenía a Einstein. En el cómic que habla sobre su biografía Ottaviani nos llevará desde el florecimiento de la curiosa y a la vez grandiosa mente del físico hasta sus últimos momentos en los que nunca, jamás, perdió el sentido del humor, algo muy característico del personaje. Así pues seremos testigos de momentos tan reveladores como su contratación junto a Oppenheimer y otros científicos para separar isótopos de uranio con el objetivo de fabricar una bomba en una base secreta en Los Álamos. O, ese momento en el que tuvo que explicarle una de sus teorías a Einstein y casi se desmaya. O su pasión por tocar los bongos en medio del desierto. O su manía por abrir cajas fuertes y de paso tocar las narices a los soldados. O su característico sentido del humor. Y sobretodo poder asistir a una de sus clases y, sin dominar mucho de física, llegar a entenderlo todo. No en vano se ha dicho fue uno de los mejores profesores de la materia. En Feynman no sólo descubriremos asuntos relacionados sobre las materias que impartía y estudiaba sino que además se nos revela su vida más intima. 

Richard Feynman

Así pues, queda claro que la narración es correcta para el cómic, ni excesiva ni escueta y con grandes toques de humor. Ottaviani ya ha realizado varías biografías de este estilo con lo cual ya debe tener de por mano condensar lo mejor de cada vida.

Por otro lado está el dibujo de Leland Myrick de trazo limpio y sencillo, en ocasiones rozando el boceto,con gran acierto representado fisionomías y paisajes, pero sobretodo excelente congelando momentos y los gestos de los personajes. 

"Arreglar vallas" uno de los capítulos más divertidos del cómic.

Feynman, la biografía en cómic, es un verdadero lujo ya que va directo al grano pero ahondando en los temas necesarios para mantener al lector atento hasta el final. Además resulta ser una obra excelente para abrir el apetito y el interés por descubrir más, ya sea mediante libros o vídeos, sobre Richard Feynman. 

Cuento de Arena

Entre 1967 y 1974, Jim Henson y Jerry Juhl prepararon tres versiones de un guión para un largometraje titulado Tale of Sand (Cuento de arena) .

Cuando trabajaba en las últimas revisiones del guión, Jim Henson empezó a trabajar en la producción de Barrio Sésamo y El Show de los Teleñecos , abandonando así el cine experimental para centrarse en los proyectos que le convertirían en un creador de renombre.

El guión de Cuento de arena , el único largometraje que Henson nunca llegó a rodar, acabó en los archivos de The Jim Henson Company . Pero, gracias al arte de Ramón K. Pérez y a la supervisión de Lisa Henson , la hija de Jim Henson , finalmente ha cobrado vida como una novela gráfi ca con un impacto visual a la altura del maestro que la creó.

Mac es un tipo enjuto y algo desconfiado que llega a un pueblecito ubicado en medio del desierto. En ese pueblecito justamente se está celebrando una fiesta, y parece que es en su nombre. Enseguida el shreriff sale a recibirle y a entregarle un mapa y las instrucciones, además de otros extraños y absurdos objetos. Mac no entiende nada de lo que está pasando pero se presta a seguir adelante. Su aventura no ha hecho más que comenzar y parece que por el camino irá haciendo amigos y, como no, algún que otro enemigo. Cuento de Arena está plagado de situaciones delirantes a la par que surrealistas que no son más que una retorcida metáfora de lo que es vivir.

Si de Cuento de Arena hay algo que llame la atención, de forma muy poderosa, al echarle un primer vistazo no es otra cosa que su apartado visual. Ramón K. Peréz ya realiza un excelente trabajo con el cuidado y personal diseño de personajes y animales pero éste, además, pone toda la carne en el asador en lo que a ilustrar se refiere creando algunas escenas que llegan a alcanzar una calidad casi fotográfica; sobretodo en las escenas de paisaje. Dando especial énfasis a las del desierto que es sin duda un secundario de lujo en la historia. En otras escenas, sobretodo en las que predomina el humor o la acción, alterna ingeniosamente viñetas monocromáticas, con otras rebosantes de color (jugando con toda la paleta pero tirando de colores cálidos) de tal forma que da casi la sensación de estar presenciando esa película que Henson y Jhul no pudieron llevar a cabo. Y digo casi porque si hay algo que nos recuerde que no es una película (a parte de todo lo evidente) y de lo que carece dejando un pelín cojo el conjunto es los efectos de sonido y la música. Ambas cosas muy remarcadas una y otra vez en el guion original; algo que un cómic, por notable que sea, no puede recrear.

Si os hacéis la pregunta de qué tal es la historia, solo es posible responderla si leéis el cómic. Solo haré un apunte, y es que todo aquel que esté muy acostumbrado al cómic más comercial es posible que Cuento de Arena y todo lo que ocurre a lo largo de sus páginas, sobretodo por su nivel de absurdo, no acabe de convencerlo. Tiburones en piscinas, leones que surgen de coches, un equipo de fútbol americano contra árabes, duelos al más puro estilo el viejo oeste, etc; todo mezclado es una verdadera locura pero al final (un final tan extraño, ocurrente y sorprendente como la historia en sí) todo, o casi todo, visto desde su mensaje metafórico esconde su sentido.

Cuento de Arena es uno de esos cómics memorables, no en vano fue ganador del premio Eisner en 2012, que se ha de releer al menos dos veces para entender todo lo que Henson y Juhl quisieron decir en tan alocada aventura, disfrutando a cada página con las pequeñas, o grandes, obras de arte plasmadas por Ramón K. Peréz. Además Norma Editorial pone a nuestra disposición una excelente edición de tapas duras con un diseño similar a los cuadernos de viaje y el lujo de poder disfrutar de extras del dibujante y del guion original traducido al castellano.